ESTHER ZYCHLINSKI

El Gobierno del Estado de Guerrero a través del Instituto Guerrerense de Cultura (IGC), en coordinación con Conaculta, INBA, Patronato de la edición XXVI de las Jornadas Alarconianas y el H. Ayuntamiento de Taxco de Alarcón presentan las Jornadas Alarconianas.

Con un programa rico en actividades, las jornadas se llevarán a cabo del 18 a 26 de mayo en “La Ciudad Teatro”, llamada así por sus callejuelas, empedrados, rincones y edificaciones que inspiran a la creación o representación siendo ésta una escenografía colonial. Sus sedes: el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, dentro del Hotel; Posada Misión y el Foro Revolución del CEPE, UNAM.

Las actividades van desde teatro, un festival internacional de cine, artes plásticas, conferencias magistrales, investigación y talleres gratuitos para público especializado en artes escénicas y público en general, siendo dos de éstos únicamente para actores profesionales de Guerrero.

Como plato fuerte, Plaza Borda recibe a un nuevo tipo de corrala, pues la CNT y el IGC presentarán por primera vez en Taxco y fuera de la ciudad de México, “La Corrala del Mitote”, estructura móvil que motiva la experiencia del teatro Isabelino.

Está formada por dos niveles de gradas cerradas en semicírculo, usa luz natural del ocaso, teniendo su origen a finales del Siglo XVI y principios del XVII en la Inglaterra Isabelina como en la España del Siglo de Oro así como en Taxco de Alarcón y Mendoza.

Entre las obras están “Tomo tu mano entre la mía” de Carol Rocamora y con la puesta en escena de David Hevia y actuaciones de Marina de Tavira y Rafael Sánchez Navarro, una obra maravillosa; “Afterplay…secuencias Chejovianas” de Brian Friel dirigida por Ignacio Escárcega con Mónica Dionne y Rodolfo Arias.

Con la colaboración de IGC-UNAM, la dirección de Galerías y Arte del ICG y el Festival Internacional de Cine de la UNAM, Casa Borda proyectará 9 películas extranjeras y mexicanas, algunas de ellas de la selección oficial del FICUNAM 2013.

Habrá montajes de los municipios de Juliantla, Arcelia y Acatlán, Guerrero de Zacatecas, Veracruz, Distrito Federal, Estado de México, Morelos, Puebla, Guadalajara, Querétaro, dentro de los internacionales Brasil y Argentina.

Con el objetivo de otorgar el mayor reconocimiento a la labor creadora de la dramaturgia nacional, cuya trayectoria haya contribuido a enaltecer el teatro mexicano, en 2013 se entregará por primera vez el Premio Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón, de acuerdo con la convocatoria que estuvo abierta previamente.

Se realizarán 19 espectáculos de calle, presentados por siete compañías en las vías empedradas, patios, mercados y plazuelas, entre los que destaca “Corcovilla a capa y espada”, conjunto de combates y duelos con armas del siglo XVIII.

Habrá un taller de improvisación para niños impartido por la Compañía Impropop, en la Corrala de Mitote, “Hormigas” a cargo del director brasileño Gutember Brito Patatiba.

Taxco es el tianguis más grande de plata a nivel mundial y estas jornadas sirven como detonante, son una mina que se puede explotar. A nivel mundial es el número 15 de todo el mundo mejor iluminado por eso es la Ciudad de la Luz.

Durante la conferecia de prensa el Gobernador de Guerrero, Ángel Aguirre, dijo que la cultura sirve para contrarrestar la violencia. Habló del Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles y de la labor social que se desarrolla, como el proporcionar uniformes y libros gratis a alumnos de primaria.

Visitado 3108 veces / 1354 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI

Antonio González Caballero (Celaya, 1931-2003) destacó como pintor, guionista de cine, radio y televisión, novelista, director teatral y dramaturgo, entre otras áreas artísticas.

En homenaje al Premio Nacional de Literatura 2003, el Teatro Hidalgo y el Centro Cultural El foco ofrecerán del 12 al 19 de mayo una serie de actividades artísticas y culturales. Las actividades de este homenaje serán gratuitas y tendrán lugar tanto en el Lobby del Teatro Hidalgo, el Centro Cultural del Foco, M and M Studio, Foro Contigo América, Teatro el Granero, CASazul Artes Escénicas ARGOS, Escuela Nacional de Arte Teatral en la Terraza de la Biblioteca, Facultad de Filosofía y Letras, Teatro Isabela Corona y el Albergue del Arte.

En estas actividades se contará con la presencia de 100 artistas, quienes ofrecerán 24 actividades en un total de ocho sedes.

De igual forma se venderá un libro con 19 de sus obras no publicadas. González Caballero fue uno de esos dramaturgos que no recibió el apoyo para publicar sus libros, su trabajo fue rechazado, pero actualmente Rocío Galicia y Enrique Mijares hicieron un trabajo de investigación con el libro que se va a vender en cada una de las sedes con cinco o seis obras más, además se va a vender el Método trabajado por Gustavo Tomás con un costo más o menos de 350.00 pesos que también se va a presentar.

En su época, la obra de Gonzáles Caballero fue considerada anti dramática y mal hecha, no era el típico teatro costumbrista de la época. Antonio decía que sus obras eran pedagógicas, estuvo activo en el teatro por más de 30 años, decía que “el arte no se puede enseñar sino desarrollar”.

Podemos describir su trabajo como un Teatro del Absurdo, él reinventa el teatro mexicano, crea nuevos lenguajes, su método es relegado así como él por ser mexicano y no entrar en los parámetros de la época. Es innegable su amor a su país y el amor al arte, un teatrero completo. Un hombre que se merece que su obra sea revalorada, que buscó “la revolución de él mismo, como decía: “cada uno de nosotros debe mejorarse a sí mismo.”

Escribió el libro “El mismo laberinto”,que no volvió a ser publicado, ahí plasma todo lo que será su vida futura, su obra y hay quien dice que hasta su muerte, muere un martes 13 de mayo de 2003, dos meses antes de recibir el Premio Nacional de Literatura de las Jornadas Alarconianas en Taxco.

Visitado 3562 veces / 1484 visitantes

Una producción moderna de ‘Tannhäuser’, la ópera de Richard Wagner, en la que se muestra a gente que muere en las cámaras de gas ha causado un escándalo durante su estreno en Düsseldorf.

Bastaron solo 30 minutos de espectáculo para que se escucharan insultos y abucheos del público, y muchos espectadores abandonaran la sala enfurecidos.

Durante la obertura de la ópera se muestran a los actores dentro de un cubo de vidrio que se llena con una niebla: una alusión a las matanzas en las cámaras de gas nazis. En otra escena se ve a una familia a cuyos miembros les afeitan la cabeza y los ejecutan.

El espectáculo está hecho con “mal gusto”, dijo el principal portavoz de la comunidad hebrea de Düsseldorf. “La ópera no tiene nada que ver con el Holocausto”, comentó.

“No burlarse, sino lamentar”

La compañía Deutsche Oper am Rhein estudia la posibilidad de cambiar las escenas más escandalosas e indica que no tenía la intención de herir a nadie. “No se trata de burlarse de las víctimas, sino lamentarlas”, dijo Christoph Meyer, el director de la ópera.

Concurso de cantantes

La acción de la ópera ‘Tannhäuser y el torneo de trovadores del castillo de Wartburg’, presentada por primera vez en 1845, sucede en la Edad Media. Los temas principales son la lucha entre el amor sagrado y profano y la redención a través del amor.

El próximo 22 de mayo se celebra el bicentenario del nacimiento de Richard Wagner. Adolfo Hitler era un gran admirador de Wagner, que era un ferviente antisemita, y su música es prácticamente tabú en Israel.

Fuente:http:actualidad.rt.com

Visitado 2326 veces / 971 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

¿Hasta dónde la inocencia puede ser peligrosa?, es el slogan de la obra que surgió del guión cinematográfico de Brian Nelson, adaptado por Luis Mario Moncada, quien respetó mucha de la estructura cinematográfico de la historia, aprovechando un trazo ágil en el que los actores logran mantener el interés del público hasta el final.

Los 16 años es una etapa de búsqueda el punto medio entre el niño y el adulto, de buscar y encontrar en esa transición. Una historia que comienza como muchas actualmente, a través de Internet.

Una pantalla frontal y el fondo sirven a manera de pantalla, un tema serio, que lo vincula a una imagen que provoca un final estremecedor, donde la tortura psicológica nos revela algunas sorpresas.

Con las actuaciones de Tessa Ía, Arap Bethke e Isha Oropeza, la obra va subiendo de tono según va transcurriendo.

Actualmente sabemos que en México hay una especie de policía cibernética que trabaja muy bien hasta donde tenemos entendido. Aquí se refleja un problema muy conocido: la desaparición de personas, hasta dónde es válido el uso de internet para interrelacionarse con los demás sin caer en los peligros que se están viviendo, qué tan preparados están aquellos que utilizan este medio para poder diferenciar, es un poco lo que ocurre en esta puesta, donde una supuesta jovencita de 16 años, inocente, cándida empieza a tener un manejo muy interesante con este fotógrafo, que nunca se imagina por dónde irán las cosas, llegando a unos extremos de crueldad que nos recuerdan a Richard Viqueira entre otros.

La transformación del personaje femenino y cómo a través de mucha astucia va doblegando al masculino llegando a extremos donde el mismo fotógrafo va perdiendo ese aparente control de la situación debido a la astucia de esta “muchachita”, que por cierto, solo dice quién es realmente en una de las últimas escenas, pero como hemos dicho aquí, cada detalle cuenta, cada frase, así como la preparación física de ambos actores, que les permite aguantar el ritmo y el trazo escénico tan importante para entender la historia.

La forma en que esta “muchachita” va descubriendo las cosas y va desarmando a este fotógrafo debería de servir de alerta, sobre todo cuando en ocasiones las cosas ya no pueden evitarse.

Sentimos que es una obra que debe presentarse en el teatro escolar sobre todo a nivel de pre adolescentes y adolescentes.

Lo único que podemos agregar es que mantiene la atención de los ahí presentes como se ha recalcado en esta crónica; cada detalle es importante, los invitamos de verdad a conocer esta puesta los viernes a las 19:00 y 21:15 horas, los sábados a las 18:00 y 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Helénico, Revolución 1500.

Visitado 2497 veces / 1113 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

El Carro de Comedias es un proyecto de la Dirección de Teatro de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM que por medio de versiones contemporáneas de textos clásicos, recorre escuelas, plazas, festivales, calles y lugares recónditos de nuestro país, llevando el teatro universitario a diversos públicos.

La obra nos lleva a los años 20´s en Chicago, donde la mafia negociaba protección, alcohol y drogas, aquí se traspasa al comercio de coliflores y la corrupción, que menciona la “construcción” de un muelle así como una naviera y un mafioso que se aprovecha de un conjunto de ciudadanos, así como un “extraño” incendio que provoca un juicio.

La versatilidad de los actores, sus cambios rápidos así como la capacidad corporal y su habilidad son constantes de la buena calidad que siempre muestra esta compañía.

se presenta los sábados y domingos a las 11:00 de la mañana, se recomienda llegar temprano para por lo menos conseguir lugar en las escaleras sin estar expuestos al calor, es sin duda una opción divertida que nos invita a la reflexión sobre el presente con algún dejo de tristeza.

Visitado 1700 veces / 600 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI

Comedia que aborda la vida de dos hermanas que al morir sus padres se van a vivir con la abuela, una mujer católica observante, unas de las hijas se vuelve conservadora y virgen, mientras la otra es una mujer sexualmente activa hasta que se embaraza y se va a vivir con la hermana.

Hay un tercer personaje que quiso ser futbolista y ahora es el amigo de la virgen y amante de su hermana, ambas hermanas cuentan en un principio versiones distintas una de ellas muy imaginativa.

El título aparece en el diálogo de una obra que resulta muy interesante con cambios menores de ropa, transiciones marcadas por movimientos, escenas donde predomina el rojo y el blanco, en ciertos momentos hay pequeñas pausas que permite a uno o dos de los personajes presentarse y contar su versión de los hechos y su vida.

Siempre se ha dicho que las relaciones humanas son lo más difícil aun cuando sean familiares. Al final, a pesar de todas las diferencias hay algo que las une, además de que pueden volver al lugar donde sus padres perdieron la vida y de alguna forma enfrentar el hecho.

Dicen que no podemos escoger a nuestros familiares incluyendo a nuestros hermanos, para eso están los amigos, sin embargo es una obra con emociones encontradas, ganadora del Premio nacional de dramaturgia Emilio Carballido UANL 2011 y de la beca Financiarte 2012.

Visitado 2258 veces / 889 visitantes

ZVI ZIMAN

Esta obra, que se estrena en el Teatro Juan Ruíz de Alarcón, es una adaptación a un texto clásico, a ritmo de blues. En el escenario, un conjunto de plataformas permiten el desplazamiento de la historia basada en Herodes, cuando cayó Egipto, a la muerte de Cleopatra y Mario Antonio.

Una enigmática mujer es la razón por la que el cesar viaja, esta obra resulta extraña en varios sentidos, podría parecer a ratos una ópera rock. Tiene una especie de música incidental en vivo, que remarca ciertos momentos.
Con pequeños cambios de vestuario y un desplazamiento, basándose en un smoking negro, a ratos parece Jesucristo Super Estrella.

A pesar que el lenguaje casi no ha sido cambiado, se entiende, el vestuario y la escenografía lo neutralizan aún más allá de nombres.

Todo lo anterior da testimonio de por qué a un clásico le llaman clásico, ya que no caducan, reafirmando el mensaje.
Se ven cantos y algunos elementos que nos llevan a rituales milenarios, algunos otros ritmos nos llevan a Palestina o Roma, siglos atrás.

Con Jorge Avalos, Violeta Sarmiento, Antonio Rojas, Alberto Santiago, Patricia Yáñez, Becaria del PECDA, del Estado de
Querétaro 2012, Victoria Benet, Paula Watson y Alberto Rosas, se presenta los jueves y viernes a las 19.00 horas, sábados a las 19.00 horas y domingos a las 18.00 horas en el Teatro Juan Ruíz de Alarcón en Cultisur.

Una propuesta de teatro interesante, apta para todo público, una obra donde la rara administración lleva al perdón y a la compasión.

Visitado 2899 veces / 1149 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

“Para soñar que no estamos huyendo”, es la historia de la placentera seducción de vivir bajo la dominación.
Comienza después de una introducción en vivo, después de una interesante versión de la creación. Después, en un espacio vacío, conocemos al asesino comisionado para matar a su esposa, donde un elemento central es la cama, que parece otro personaje, juego del poder, el absurdo, tan absurdo como la obra y la vida.

No puede faltar la vuelta de tuerca dándole un giro muy interesante, y con un final aparentemente abierto.

La forma en que se usa esa cama además de que una de las actrices no baja de ella en ningún momento, además de cómo sirve para tomar los diferentes elementos de escenografía es muy interesante.

Con las actuaciones de Amanda Schmel, Claudia Ríos y Antonio Cerezo, esta paráfrasis trae los términos a un asesino que concede el último deseo de la condenada, acompañada hasta la frontera por una sirvienta, la obra provoca una reflexión sobre el pasado y presente.

Vemos en cierta escena el juego del teatro dentro del mismo donde la crítica social no falta, siempre presente en las obras de Ana Francis Mor, aún más marcado en las Reinas Chulas.

Esta puesta se podrá ver del 4 al 21 de abril, los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas, en el Teatro Benito Juárez, en la calle de Villalongin, frente al Monumento a la Madre.

Visitado 3087 veces / 1251 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Este montaje habla de tres historias que se unen en una sola, en la de tres personajes con un solo deseo: no renunciar jamás a sus sueños. Se trata de una obra que fue escrita por el dramaturgo libanés Wajdi Mouawad pensando en un público joven.

Los tres actores: Miguel Romero, Andrés Torres Orozco y Pamela Almanza, bajo la dirección de Hugo Arrevillaga Serrano quien es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA, se apoyan para contar la historia de un joven rebelde, una joven que tiene una experiencia bastante rara que hace que se encierre cuatro días en su cuarto y un antropólogo forense. Este último, es llamado cuando ocurre algo en un lago encontrándose con su pasado, el cómo decidió “ser un joven obediente” como dice él mismo, dejando sus sueños a un lado debido a ciertos problemas de juventud con alguien de su familia.

Las transiciones se valen de técnicas teatrales donde se van tejiendo las relaciones entre los personajes algunos reales, algunos ficticios. Con pequeños cambios de vestuario, los personajes trasmutan los vestuarios característicos de una zona fría y la ya tradicional.

Las convenciones teatrales al servicio de la obra, con algún rompimiento de la cuarta pared, juego de explosión, rebeldía, amor y muerte.

Otro elemento presente es la llamada narraturgia donde parte de las acciones se suplen con diálogos.

Vemos muchas tendencias y obsesiones del que ya hemos visto en el propio dramaturgo como la muerte y el tiempo, así como la barrera entre lo visible, lo real y lo invisible, la fantasía, donde la lógica es algo peculiar donde quedan rasgos inexplicables y cosas donde el espectador buscará su propia lógica, así como personajes que vemos en otras obras como Bosques, o los monólogos hablando sobre el chofer de los autobuses rumbo al hospital en navidad, así como el carácter de personajes de Bosques, Cielos e Incendios.

¿Qué necesita la juventud para encontrarle un sentido a la vida, qué necesitan hacer los padres para encaminarlos y ayudarlos empezando por el ejemplo que ellos mismos dan? La pregunta está en cada familia, en la comunicación existente, el entender que algunas cosas no tienen que volverse rutina sino darle un sentido a la misma como pasos a lograr algo.

Elementos importantes como un árbol que crece y una parada de camión, una obra de teatro escrita durante la juventud y sus repercusiones para poder esclarecer este caso.

Realmente los invitamos a gozar este trabajo, quizás pueda cambiar el rumbo de muchos jóvenes y no tan jóvenes para encontrarle un sentido a su vida.

Esta obra tuvo un montaje previo bajo la dirección de Boris Schoemann durante la FELIT en el Centro Cultural del Bosque. Ahora, esta nueva versión, tendrá temporada en el Teatro de la Capilla los viernes a las 17:00 horas buscando a las generaciones jóvenes con un costo de 50.00 pesos con 11 funciones únicamente, y los sábados a las 19:00 horas con un costo de 120.00.

Visitado 2273 veces / 940 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

La ilusión óptica es un juego que juega la mente, sujeta a los deseos y medios de quien los presencia. La danza es un juego de espejos y las apariencias que los creativos crean. Este montaje es la celebración de 25 años de la Compañía de Danza Contemporánea.

Ilusión óptica se presentó por única ocasión el sábado 23 de marzo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

Aunque las imágenes no tienen ninguna conexión entre sí, el objetivo es que el público construya una realidad propia a partir de las que se presentan en el escenario, apoyado por otros recursos como movimientos, utilería y video.

Dura cerca de una hora donde los personajes se encuentran en varios momentos, responde a los estilos de una danza libre, donde la individualidad sale a relucir también en el vestuario y en algunos casos en los estilos.

Una versión tranquilizante y refrescante sobre la danza, la coreografía es de Vicente Silva con Eduardo Tovar, Carlos Martínez, Mauricio Rico, Alfredo Torres, Marcelo Cero, Ivette Rodríguez, Sara Montero, Itzel Schnaas y Ana García.

Visitado 1890 veces / 706 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Shalom es una palabra que no quiere decir exclusivamente paz, es un término que usó Kafka para escribir una obra escrita por Nelly Sachs, con la adaptación de Ray Nolasco. Transcurre a espacio vacío, salvo por algunos objetos dispuestos en escena.

A primera vista puede parecer una pintura, los personajes visten de colores obscuros, pies descalzos y sucios; el uso de vehículos de control remoto se complementa con cantos y ruidos, así como el uso de telas y prendas en diversos decorados.

Adriana Reséndiz, Mauricio Moreno, Alinka Durán, Jessica Gámez y Alfonso Alcántara conforman el elenco que, bajo la dirección de Nolasco, construye una historia que a momentos se desarrolla como un pasaje bíblico, donde el protagonista emprende un viaje iniciático que lo llevará a transformar sus propios odios, pasiones y deseos de venganza en la materia que al final se convertirá en el espejo de sí mismo. Hace referencia a una leyenda, cuyo ritmo nos recuerda a las canciones de la Pascua Judía o Pesaj.

Este director lleva varios años experimentando con estilos; en una misma puesta se mezcla más de un estilo y técnicas como teatro de sombras, máscaras, manipulación de objetos entre otras. En la última escena nos conmueve porque es verdaderamente sorpresivo, nos deja una reflexión en torno a la historia, violencia y los caminos a seguir.

Con una gran destreza por parte de los actores para cambiarse enfrente del público, con muy pocos obscuros y transiciones muy limpias rompen la cuarta pared con un hecho donde escogen a dos del público en un acto muy bello.

Se presenta todos los miércoles, a las 20:30 horas en el Círculo Teatral, hasta el 10 de abril, Av. Veracruz 107, Condesa.

Visitado 2809 veces / 1142 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Una mujer “despierta” después de 29 años en un hospital. Un doctor es el único testigo, ella comienza a contar su propia historia, su familia y amigos, fragmentos de una vida que un largo sueño interrumpió a la edad de 12 años.

La trama cuenta la historia de una mujer enferma de encefalitis letárgica que despierta a un mundo que no conoce, entiende o siquiera vislumbra que existe. Se trata de una propuesta de teatro de cámara que José Caballero descubrió y siempre quiso montar.

Una especie de Alaska” es inspirada en un libro del neurólogo Oliver Sacks. La reacción al despertar y sus causas, así como las consecuencias de tantos años donde la convivencia de una se pierde en la inconsciencia del tiempo mientras la historia se desenvuelve.

Las actuaciones de Lucero Trejo, Verónica Merchant y Sergio Cataño donde el movimiento de la enferma está bien trazado con movimientos espasmódicos y duros.

En el muro, un conjunto de imágenes colocadas sobre paneles, hacen referencia al viaje de la mente, que parece que no creció como el cuerpo.

Esta obra de un clásico de este género que nos lleva a reflexionar de manera tajante y conmovedora sobre la condición humana. Se presenta el El Círculo Teatral, Av. Veracruz 107, Col. Condesa. Funciones: Viernes 20:30 p.m Sábados 19:00 p.m y Domingos 18:00 p.m

Visitado 2343 veces / 877 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Sin duda uno de los personajes más comunes en la cultura son los vampiros. Este personaje aparece en casi todas las culturas, sus características, que a ratos se confunden con el hombre lobo, son mencionadas en los cinco continentes, es mencionado desde hace miles de años. Bram Stoker retomó el mito de Drácula creando el actual personaje.

Esta obra, en tono infantil, nos presenta a un niño que es adoptado por vampiros muy al estilo de los Adams, él se enamora de una niña que es auto invitada, provocando un final bastante interesante.

Resulta una obra que nos comparte lo que en su tiempo Frankestein y Drácula despertaron hacia finales del siglo XIX y principios del XX, el miedo a lo nuevo, a lo distinto, a aquello que no se entiende, y que se rodea de misterio.

A espacio casi vacío se presenta esta obra que nos habla de los miedos constantes, con un maquillaje y un vestuario muy representativo de cada personaje, con un lenguaje adecuado a los niños y aquí es importante mencionar de esta compañía que su trabajo va dirigido hacia ello; nos da información muy interesante sobre la historia de Bram Stoker además de hablarnos de amor y aceptación. La historia es sencilla y divertida, como deben ser las obras infantiles, y los actores se encargan de llevar el mensaje a las mentes de los niños.

En ocasiones nos preguntamos ¿cuándo perdimos esta inocencia del niño? El hecho de expresar más abiertamente lo qué sentimos y manifestarnos, ya de adultos pensamos un poco más en demostrar nuestros sentimientos.

Se presenta los domingos a las 13:00 hrs. en La Gruta del Centro Cultural Helénico, con las actuaciones de Héctor Wong, Francisco Silva, Elsy Jiménez, Jennifer Lucero y Eréndira Castorelo.

Visitado 3355 veces / 1369 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Esta obra, de Antón Chéjov, dirigida y adaptada por Alonso Ruizpalacios, se presenta en el Teatro de Santa Catarina, transformado en un elegante salón decorado con espejos, cuadros y un muro pintado con gis.

Una narración sencilla –que a primera vista puede parecer simple– cuenta la historia de un hombre tímido y esquivo dedicado a la milicia, quien recibe de manera súbita un beso de una mujer a quien nunca vio pero que sí escuchó, olfateó… sintió.

Crítica que nos refiere a una sociedad de principios del siglo pasado pero presente, casi 100 años después, enfocándose al ejército y la carrera militar.

Este montaje cuenta con cinco actores, actuación y narración que va entre la obra y algunas confesiones entre actuadas y reales, usan sus nombres reales mientras cuentan la historia de Chejov.

El público, sentado a lo largo de una mesa, que en una de las orillas tiene un piano insertado visto a través de un espejo ovalado.

Juego donde el presente, pasado y futuro de Rusia y México se confunden en un hecho, un tiempo o en un lugar, se podría llamar más como un performance rompiendo más de una convención tradicional.

Puesta en escena que, entre notas de piano de Frédéric Chopin, más un centenar de entrevistas a militares y narraciones de besos, nos empapa del significado de juntar los labios en el contexto del México contemporáneo.

El público podrá participar en dicha controversia, el lenguaje propio y agresivo, la crudeza en todo sentido y la sorpresa de no saber lo qué pasará.

Los actores: Sophie Alexander-Katz, Raúl Briones Carmona, Francia Castañeda, Pablo Chemor y Leonardo Ortizgris con la colaboración del Capitán 2ndo Manuel Contreras Maqueda y Teniente Rogelio Paéz Pulido,
actuando en circunstancias inusuales, simplemente genial.

Se presenta del 7 de marzo al 21 de abril los jueves y viernes a las 19:30 hrs., sábado 19:00 y domingo 18:00 hrs. con duración de una hora y media. Suspende funciones el 28, 29, 30 y 31 de marzo.

Visitado 2338 veces / 869 visitantes

VERO GOLDSTEIN

Rusia, 1905. Un pequeño pueblo llamado  “Anatevka”, y tres historias de amor  en “El violinista sobre el tejado” que  permiten al espectador adentrarse en las tradiciones del pueblo judío de aquella época. ¿De aquella época?

¡Cuántas veces veo a mi alrededor y parece  que  aún estoy en Anatevka!

Escucho a una amiga  sufrir porque a sus papas no les parece el novio, pues  si bien es muy estudioso y empieza a trabajar, no proviene de una familia adinerada.

O aquella otra que ya está prometida desde recién nacida y solo tiene una foto infantil del futuro esposo que vive en Brooklyn y vendrá a conocerla tres días, en Purim.

También está  la hija de mi amigo, casad con una mujer que se ha convertido al judaismo, y sufre discriminación aunque sea más religiosa que yo.

Y así se suman a la lista, el que  está enamorado de una chava idish, siendo toda su familia Shami; la que quiere ponerle un nombre que escogió  para su beba pero no puede porque  tiene que llevar el de la suegra aunque existan  5 primas con el mismo nombre y además no le guste, la que ni por internet consigue novio y ya se le pasó el tiempo y apenas tiene  25 años, la que quiere estudiar una carrera larga pero” hay que casarse”, etc

El mismo protagonista lo dice  justo cuando sube el telón:

“¿Y cómo mantenemos el equilibrio?  Eso puedo decirlo en una sola palabra:   Tradición .”

A lo largo de este montaje que nos trae Berstein-Peralta , vemos entre risas y lágrimas, como el profundo amor de un padre a sus hijas hace que este “ supuesto equilibrio” se balancee hacia el lado de los sentimientos dejando las tradiciones, con dolor, a un lado.

El Violinista en el tejado,  deja oir una bella melodía aunque, estar allí arriba tiene sus riesgos.

Las tradiciones  son parte de esa  bella melodía  pero… ¿Qué pasa cuando los sentimientos se enfrentan a la tradición?

¿Las tradiciones mantienen el equilibrio o  reprimen  actuar los verdaderos sentimientos?

Todos aquellos que como  Tevye, interpretado majestuosamente por Alejandro Toporek  y    Manuel Gorka,  desean lo mejor para sus hijos, aun cuando deban dar paso a los cambios y mirar con tristeza como las tradiciones comienzan a perderse, se sentirán sumamente identificados con cada canción, con  cada escena.

También  estarán quienes sufran en cada historia su propia historia  ¿Por qué?… porque todo  lo que sucede  es totalmente aplicable a la actualidad.

¿Qué  lugar ocupan las tradiciones en nuestra vida?

¿Hasta dónde una tradición puede interferir con los sentimientos y la libertad espiritual?

¿Cómo conservar las tradiciones y transmitirlas  sin que interfieran en la expresión de la verdadera identidad?

“Es una antigua tradición familiar”  ” Lo hago por seguir la tradición”

¿Y qué pasa con todo aquello  que no se hace  por seguir la tradición?

No elegir nombres para nuestros hijos, no enviar a la escuela de nuestro agrado,  no casarse en el templo que nos guste, no  cenar  en  Shabat  en casa de quien sentimos ganas,  no ir a un evento de mi interés o cumpleaños porque hay que comer en casa de… cada jueves,  no pasar  fiestas con quien mi corazón sienta ,no  ponerme de novio o casarme con quien yo elija, no  estudiar la carrera que yo quiera en realidad, no poder decir que no…

Las tradiciones se pasan de generación en generación por considerarse valiosas. Importantes.

Las tradiciones se supone tienen que aportar valor, no sufrimiento.

“Los tiempos están cambiando papá”, oye este humilde lechero de boca de sus hijas

( Lorena Vignau, Maria Jose Brunet, Maria Jose Bernal,Brenda y Maia Wainer) durante toda la obra.

1905, gente con sus sentimientos atrapados por las tradiciones.

2013, igual.

Los tiempos… ¿Están cambiando?

El Violinista en el tejado

Foro Cultural Chapultepec

Mariano Escobedo 665

Estreno : Sabado 23 de Marzo

Funciones: Sab y Dom hasta el 28 de Abril

40 actores en escena y orquesta en vivo de 23 músicos

Dirección escenica: Ricardo Diaz

Direccion musical: Ruben Peralta

Vestuario: Rinna Keller

Direccion coreografica: Shimi Berstein

Escenografia: Salvador Nuñez

Visitado 2086 veces / 819 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI

¿Cuántos niños, mujeres y hombres sacrificados hay?

Esta obra cuenta con las actuaciones de Aleyda Gallardo como la mujer que investiga, Bricia Orozco como la madre, Tania Mayren como la hija y Rodrigo Mendoza como el hijo, con texto de Francois Thyrion, la traducción de Boris Schoemann y Humberto Montera bajo la dirección de Gabriela Lozano, nos llevan en forma de reportaje, a la violencia y el maltrato infantil, temas que cuestiona la obra.

La trama narra la historia de dos hermanos, quienes por largo tiempo fueron objeto de abusos por parte de su padrastro y que años después se encuentran envueltos en su asesinato.

Con textos cortos, un uso de luces mínimo en las transiciones bien llevadas y pocos elementos del escenario, la obra se adentra en un espacio atemporal que examina un acontecimiento que marca y define las circunstancias de vida de una persona y conduce al espectador por un interrogatorio que arroja información sobre los personajes, su interacción familiar y la versión que cada uno tiene sobre de la muerte del padre; conocemos el drama de ésta y muchas familias donde no se acepta el silencio de la madre que antepone sus necesidades ante los hechos.

En ocasiones rehuyo a ver estas obras, por la prepotencia que me causan, dicen que el teatro es el medio para reflejar la vida cotidiana, con esto se ayuda a concientizar a la sociedad, independientemente de mi sentir es una magnífica puesta que se presenta en La Gruta del Centro Cultural Helénico, los martes a las 20:30 horas, Revolución 1500, del 5 de marzo al 21 de mayo.

Estoy segura que ningún espectador podrá salir indiferente porque la obra es tan directa, con un lenguaje tan cruento y realista, que seguro dejará alguna reflexión en cada uno de los espectadores.

Visitado 2126 veces / 770 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

En un purgatorio se encuentran dos íconos de la cultura Estadounidense Norma Jean Baker, mejor conocida como Marilyn Monroe, actuada por Ileana Ruíz y James Byron Dean o James Dean; ambos llevan varios años esperando su destino, mientras conviven.

La historia analiza con ironía los mitos que se crearon en torno a estos símbolos sexuales, a estos iconos de la industria cinematográfica de Hollywood considerados como leyendas, que perdieron sus vidas muy jóvenes y en la cima del éxito. Marilyn Monroe, como se ve en la obra, no era la tonta rubia platinada vestida de blanco, era un genio de su época, como se comenta en la obra.

En la puesta en escena entona su famoso “Happy Birthday Mr President”, que le cantó a JFK; sin embargo, un hecho que casi no se menciona, es que fue la primera Conejita y dichas fotos no fueron tomadas para este fin pero pasó a la fama.

Por su parte, James Dean solo hizo tres películas, murió antes de los 30 años, “Rebelde sin Causa” marcó a toda una generación; entre ellos, a uno de los que escribe, su look con jeans y playera se volvió el ícono de los jóvenes, años antes de la rubia “platinada.”

Ambos se ven envueltos en eternas discusiones, confrontando sus egos, hasta que un tercer personaje: Beatriz Moreno, entra como una magnífica “Canadian Crosser”, dándole un giro completamente diferente a la obra y provocando un choque cultural inesperado. Una mujer mexicana que recuerda a Pedro Infante rompe la dinámica reinante entre ambos egos en un juego interesante, donde en su mundo de glamour se ven envueltos con este último.

Esta obra, con un escenario vacío, así como el vestuario de los actores, que corresponde a cada una de las épocas que les toca vivir, nos hace reír pero al mismo tiempo reflexionar sobre la vida de los famosos, muchos de ellos con una vida personal que tratan de tapar con su éxito y reconocimiento, pero al final todo se sabe y más ahora que existe Internet y otros medios electrónicos.

No todo es miel sobre hojuelas, simplemente veamos la vida de los grandes actores no solo de Estados Unidos, sino del mundo, donde su vida está plagada de desgracias y situaciones poco agradables, incluyendo la pérdida de su propia familia, y ¿por qué no? si son seres humanos igual que nosotros.

Se presenta los lunes a las 20:30 horas en el Foro la gruta en Av. Revolución 1500.

Visitado 2613 veces / 980 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Esta obra se sitúa en el estudio de un personaje estremecedor, por no usar otra palabra, actuado por Alfredo Herrera, que lleva escribiendo 7 años una obra sobre su propia vida. “La representación”, presenta en tono de drama, con algunos momentos de ácida ironía, la vida de un escritor, una actriz y una sirvienta, cuyos conflictos los llevan a perder la capacidad de diferenciar entre lo real y lo imaginario.

La escenografía es congruente con la pobreza de sus actos, pues consta tan sólo de un baúl, un sillón, una mesa y un tapete; se trata de la habitación del escritor, el escenario en el cual se desarrollan los acontecimientos, que van de la frustración que siente porque su esposa es sordomuda, el anhelo de que ella sea distinta, la obstinación por llevar una vida mejor.

En éste un baúl, que contiene diversos objetos, la relación con su esposa es un infierno; para representarla contrata a una actriz, actuada por Karina Díaz, en la cual se confunde tanto la obra como su vida, que envuelve a ambas protagonistas. La sirvienta, Denise Castillo, juega un rol donde a su forma también representa a otra parte de Ana y él.

El juego es interesante, más aún, cuando una de las actrices no habla. El escenario evoca lo obsesivo, mientras Freyre pasa por una crisis encontrando en la sirvienta a una extraña pareja sordomuda, un juego de confusiones y emociones sobre un hombre y el desdoblamiento de su esposa o tal vez de ella misma.

Una actuación compleja del actor masculino, que con crudeza, crueldad y sadismo de un hombre y su infierno personal que “comparte” con la sirvienta y Ana.

Esta puesta no apta para cardiacos o gente que reacciona ante emociones fuertes, se presenta en La Gruta del Teatro Helénico, Revolución 1500, los viernes a las 20:30 horas con temporada hasta principios de mayo. Para aquellos que se atrevan a asistir, les garantizamos un trabajo excelente, fuerte, crudo, donde nos da la impresión de que quizás todo era una representación salida de su cabeza, no sabemos si las dos mujeres existieron o qué fue lo que paso, lo único cierto es que nos recuerda la crueldad de “La Lección” que vimos hace algunos años con Arturo Ríos.

Siempre hemos dicho que cada puesta merece toda nuestra atención; todavía, por lo menos nosotros, nos sorprendemos en cada puesta y nuestra mente está abierta. Vale la pena atreverse a cruzar el umbral de este escritor con un manejo actoral increíble, debido a lo difícil del personaje y qué decir de las actrices, sobre todo la que no habla, estos personajes nos gustan porque se ve la destreza para expresar por medio del lenguaje no verbal.

Les garantizamos que no pasará desapercibida en ningún momento, les podrá crear toda clase de sentimientos y manifestaciones, hablando de nosotros, salimos simplemente pasmados.

Visitado 3288 veces / 1275 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI

¿Qué pasa cuando las cosas no son lo que aparentan?

Con una reflexión muy al estilo de Isabel Almeida; Erwin Veytia, Nohemi Espinosa, Roam León, Ixchel Muñoz, Gustavo Proal y Arturo Zamorano, junto con los músicos en vivo, Hazael Rivera, Axel Tamayo y Yayo Basuro, así como el apoyo de un narrador, nos llevan a una puesta de escena tipo cabaret: con bailes y música en vivo, donde debido al problema de obesidad se decide acabar con las fábricas clandestinas de tortillas.

Tomando como pretexto este tema, nos llevan a 1929, cuando aparece un personaje intachable al cual le encargan formar un equipo “incorruptible” para cumplir con esta misión.

Con una dramaturgia divertida, a las que nos tiene acostumbrados esta compañía, donde la gente se ríe a pesar de la seriedad del asunto; con un humor fino, convincente y directo para llegar al público. Un vestuario de la época y una escenografía de huacales de madera,que son utilizados según cada escena, los músicos en vivo y el narrador, que hace las delicias al narrarnos las peripecias por las que tiene que pasar este intachable servidor. Primero, para hacer su equipo, así como la personalidad de cada uno de sus miembros; aquí no podían faltar las referencias al México actual.

No puede faltar la “dulce” novia del servidor, con la que se quiere casar, ni la mafia, representada por otro personaje que no aparece hasta el final, así como los mafiosos encargados de hacerle la vida de cuadritos a las autoridades, hasta que aparentemente hay un giro de tuerca para poder agarrarlos.

Me ha tocado ver el trabajo de este grupo desde hace años y todavía me sorprendo. Sentada, observándolos, pensaba en cómo ha crecido su trabajo actoral, su preparación a todos los niveles, su exquisitez para manejar los temas difíciles y el cariño que el público les tiene. Alguien gritó: “son los mejores”, su calidad de actuación, el romper la cuarta pared e involucrarnos en la historia, sus transiciones entre escena y escena, y esa calidad de actuación, invita a seguir su trabajo.

Bajo la dirección de Roam León, “Los Intachables”, se presenta en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico a las 20:30 horas, hasta el próximo 4 de abril.

Visitado 3236 veces / 1215 visitantes

A partir del experimento Bouchard, Andrés Roemer construye una obra de teatro para reflexionar sobre la herencia genética, la determinación del contexto social y familiar en los seres humanos y la inclinación hacia el nazismo o el judaísmo. El experimento Bouchard planteaba reunir a gemelos que habían sido separados en su infancia para evaluar qué tanto el origen genético determinaba sus características como personas.

Oskar y Jack es pues una puesta en escena dirigida por Raúl Quintanilla donde se desarrolla el encuentro de estos dos hermanos después de 46 años. Oskar, el más chillón, según los padres, se va con la madre a Berlín, y Jack, el consentido del padre, se queda con él en la isla de Trinidad y Tobago para después emigrar a Israel. La tesis del factor social y familiar como eje de la estructuración del carácter y la ideología queda sustentada en esta obra donde el autor muestra las diferencias que existen entre Oskar y Jack a partir de su reencuentro. Añade además a una hermana como catalizador de la familia, la cual, en la competencia por saberse el favorito de los padres, ella ya está descalificada.

Si bien la problemática que plantea Oskar y Jack suena atractiva, el tratamiento melodramático esquematiza las situaciones y acartona a los personajes. La intensidad emotiva que se quiere provocar en el público es eficaz para las expectativas de un espectador habitual de telenovelas, pero que no corresponde a la necesitad de verosimilitud, lógica en la estructura dramática ni profundidad en las emociones.

Después de un prólogo con imágenes en video que muestran a dos seres que crecen en la misma matriz, al mismo tiempo que se decide la separación de los hermanos, continúa con una escena completamente antidramática donde madre e hija los esperan. Ellas informan al público (porque de lo que hablan seguramente ambas lo saben y lo discutieron años atrás), explican, mencionan antecedentes y caminan o se sientan porque sí, para darle al espectador datos y hechos que creen necesitarán para entender la obra. Tanto las actuaciones como la escena resultan impostadas e injustificadas. Silvia Mariscal como la madre se mantiene solemne y grandilocuente en su decir. Carmen Delgado como la hija sostiene un poco más la emoción pero con dificultades para su proyección.

Resulta extraño que se hayan seleccionado a dos actores tan diferentes –no sólo en edad sino en tesitura física– para interpretar a los “gemelos idénticos”. Son gemelos idénticos porque provienen de una misma bolsa placentaria y no cuates, los cuales crecen independientes en dos bolsas y sus rasgos físicos suelen estar más diferenciados. Roberto Ríos Raki y Víctor Hugo Martín desarrollan dos tipos de actuación. El primero más formal e interior, y el segundo buscando un tono cómico y natural por lo que salta fuera de la obra.

La escena más lograda sucede en la cena donde el autor intercala los diálogos con los pensamientos o sentimientos de los personajes. A cada uno lo ubica el director en una mesa cuadrada con su respectiva silla y de cara al público, propiciando un juego escénico dinámico apoyado por el diseño de iluminación de Philippe Amand. Es en esta cena donde los hermanos discuten de política (uno es nazi y otro judío), de sus diferentes emociones: uno por haberse quedado con la madre y la hermana y el otro con el padre, los sentimientos que sienten por el otro, las expectativas, los miedos, las angustias… el afecto.

Oskar y Jack se presenta en el Teatro Orientación, producida por el INBA y TV Azteca.

Fuente: Proceso

Visitado 2082 veces / 764 visitantes

• Israel tiene una escena de danza contemporánea muy importante y amplia
• Danza de calidad y muy genuina que se gana su espacio en el mundo entero
• El Estado dedica seis millones de euros al año a la danza
• Miradas 2 se emite el domingo, 3 de marzo, a las 20.30h, en La 2

Sorprende la sensación, a pesar de la enorme diversidad que ofrece, de que la danza contemporánea en Israel es realmente genuina, tiene verdaderamente una personalidad propia.

Israel tiene una escena de danza contemporánea muy amplia, muy importante.

Y eso es lo que la hace tan atractiva, porque tiene algo de particular que no solemos ver en compañías de otras latitudes.

Es muy curioso el caso de Israel, un país pequeño, de reciente creación, con apenas 64 años de existencia, con poco más de 7 millones y medio de habitantes, y con un apogeo tan grande en cuanto a la danza contemporánea.

Danza joven para un país joven

El Estado dedica seis millones de euros al año a la danza y el resultado son propuestas artísticas muy potentes que se abren paso a nivel mundial.

El Estado dedica seis millones de euros al año a la danza y el resultado son propuestas artísticas muy potentes que se abren paso a nivel mundial.

Claudio Kogon, subdirector del Centro Suzanne Dellal de Tel Aviv, nos cuenta que “Israel tiene una escena de danza contemporánea muy amplia, muy importante. Nosotros, por un lado, no tenemos tradición de ballet clásico, porque somos un país muy joven, pero sí tenemos mucha danza contemporánea, principalmente porque, por un lado, en los años 30, tuvimos una ola inmigratoria que vino de Alemania y eso trajo a los creadores alemanes y el expresionismo alemán, y después en los años 60 tuvimos la suerte de tener aquí a Marta Graham, la creadora de la técnica Graham, y que fue fundadora de compañías como Batsheva. Y hoy en día, de alguna manera, todos los creadores jóvenes son hijos o nietos de esa generación.”

Israel tiene una escena de danza contemporánea muy amplia, muy importante.

La diversidad cultural de Israel es el reflejo de la diversa procedencia de sus habitantes. Judíos llegados de todo el mundo aportan su particular herencia en un crisol cultural muy rico y en perfecta convivencia.

Noa Weitheim, la coreógrafa y directora de Vertigo Dance Company, una de las compañías veteranas, con 20 años de trayectoria, nos cuenta que sus antepasados eran belgas y se trasladaron a Israel incluso con todo el mobiliario.

La gente de ambos lados, somos felices, amamos el arte, hay mucha creación, somos una sociedad multicultural, estamos por todo el mundo

Y que allí creció ella, en un lugar europeo en pleno Israel. Para Noa, es fascinante convivir y trabajar con gentes de todas partes, con un objetivo común. “Queremos vivir, no queremos bombas. La gente de ambos lados, somos felices, amamos el arte, hay mucha creación, somos una sociedad multicultural, estamos por todo el mundo. Queremos ir por todo el mundo.”.

Queremos vivir, no queremos bombas.

Confesamos que íbamos a Tel Aviv con cierto recelo, y hasta temor. Pero allí el ambiente es más que relajado.

La gente sabe distinguir entre la expresión artística del ciudadano y las políticas gubernamentales

No se puede negar el mar de fondo, pero la vida sigue, y los artistas, por suerte, siguen su camino al margen de esa mala imagen exterior que ofrece su país. “La gente sabe distinguir entre la expresión artística del ciudadano y las políticas gubernamentales -reflexiona lúcidamente Claudio Kogon-. Es cierto que los ciudadanos elegimos a nuestros gobiernos, pero a la larga el individuo está un poco aparte de los tejemanejes de las políticas nacionales y somos muy bien recibidos en todo el mundo, tanto en los teatros como cuando vamos a hacer workshops con artistas, tanto en el diálogo con estudiantes o con bailarines. Viajamos por todo el mundo.” Podríamos pensar que, para los artistas, el hecho de ser israelí pueda ser un obstáculo añadido pero no lo es. Sería una verdadera pena que lo fuera.

El objetivo es permitir a las compañías de danza y a los jóvenes creadores ser conocidos en el mundo a través de que nosotros invitamos aquí a directores de festivales, de teatro, programadores de todo el mundo

El Centro Suzan Dellal de Tel Aviv organiza anualmente una muestra internacional que acoge las creaciones de casi 40 compañías. “El objetivo es permitir a las compañías de danza y a los jóvenes creadores ser conocidos en el mundo a través de que nosotros invitamos aquí a directores de festivales, de teatro, programadores de todo el mundo.”, dice Claudio Kogon, subdirector del Centro.

Una espectacular Exposición Internacional donde se puede ver todo lo que se cuece en Israel, desde grupos jóvenes independientes, que dan sus primeros pasos, hasta las grandes compañías consolidadas, como Vertigo, Batsheva o Kibbutz, pasando por formaciones emergentes y que tienen mucho que decir, como la Dafi Dance Group.

Diferentes talantes y generaciones

Compañías veteranas como Kibbutz o Vertigo no nos dejan nunca de fascinar. Son realmente buenas. Transmiten algo más allá de la pura coreografía.

Un gran perfeccionismo formal se aúna con imágenes de gran belleza y verdadero arte, de ese que trasciende, que toca el alma. Contienen una espiritualidad esencial, más allá de cualquier religión, conmueven en lo más profundo, emocionan. Aquí el lenguaje de la danza adquiere su más pleno sentido.

Me planteo el trabajo como una investigación sobre el cuerpo, la espera, el contacto, la relación, la fluidez, elementos que están en mi personalidad, de manera muy abierta.

Noa Weitheim, de la compañía Vertigo, nos cuenta así su labor: “Me planteo el trabajo como una investigación sobre el cuerpo, la espera, el contacto, la relación, la fluidez, elementos que están en mi personalidad, de manera muy abierta. Miro lo que nos dice el material del que estamos construidos. Si de verdad investigamos sobre lo material, eso nos da un mayor conocimiento sobre lo espiritual. Me encanta esta contradicción entre el cuerpo físico y lo espiritual, aunque a veces no sé cómo lidiar con esto y me hago muchas preguntas.”

Dafi Altabeb, en cambio, mira el mundo con nuevos ojos. Ella ha bebido también de las mismas fuentes, pero su mirada es mucho más fresca y más personal. Trabaja con su propia experiencia y con la puesta en común con sus bailarines.

Yo me emociono cada día como si fuera el primero. Desde que llego al estudio y cuento mis ideas a los bailarines… Es como una adicción

De ahí surge un lenguaje nuevo e interesante. “Yo me emociono cada día como si fuera el primero. Desde que llego al estudio y cuento mis ideas a los bailarines… Es como una adicción. Voy al estudio, no importa lo cansada que esté, no importa cuántas piezas haya hecho antes, porque cada vez la danza me despierta, me hace sentir como un laboratorio en el que pongo en juego mi vida personal y yo puedo lidiar e investigar con otras personas. No puedo estar sin ello. Es una motivación para la vida.”

El trabajo de la joven Dafi Altabeb y su compañía Dafi Dance Group es muy bueno. Ha creado interesantes coreografías, Su poética es tierna, delicada y al mismo tiempo potente. Tiene juventud y valentía, imaginación, juego y osadía, contradicción y sobre todo honestidad.

Es un ejemplo de las nuevas generaciones de la danza israelí, sin tapujos, con una personalidad absolutamente propia. Sus creaciones nacen del corazón, una puesta en común con sus bailarines a partir de sus propias vivencias.

Se desmarca de lo folclórico, aunque quizá también lo contenga, simplemente porque crea su propio lenguaje, y cree en él. Y eso es lo que hace atractivas sus creaciones.

La danza en Israel está muy fuerte. Hay mucha pasión aquí para crear, hay un campo muy abierto para la creación y progresa en todo el mundo.

Dafi Altabeb arrasó en el último Festival de Teatro de Nápoles con su obra Sensitivity To Heat en la que habla de su nula sensibilidad al calor. Lo que demuestra, ni más ni menos, es una gran sensibilidad que hemos podido comprobar en todos sus espectáculos.

Dafi Altabeb: “La danza en Israel está muy fuerte. Hay mucha pasión aquí para crear, hay un campo muy abierto para la creación y progresa en todo el mundo. Aquí la danza está verdaderamente muy abierta. Estamos empujándonos unos a otros hacia ocupar un buen lugar en el mundo. Israel está adquiriendo su lugar en el mapa. Porque aquí hay mucha creación“.

Pocos países como Israel pueden presumir de una creatividad tan fructífera en cuanto a danza contemporánea.

Somos un país con unos pocos habitantes, en total tenemos 7 millones y medio de personas, y la cantidad de danza per cápita, como se habla en economía, es increíblemente alta

Claudio Kogon: “Somos un país con unos pocos habitantes, en total tenemos 7 millones y medio de personas, y la cantidad de danza per cápita, como se habla en economía, es increíblemente alta. Tenemos 6 o 7 grandes compañías, tenemos muchas más medianas, tenemos muchos jóvenes creadores que trabajan en pequeñas colaboraciones de dúos, tríos, y per cápita es mucho.. Eso tiene que ver de alguna manera con nuestra cultura. Desde siempre al pueblo judío le ha gustado bailar para celebrar. Lo tenemos en nuestras fiestas, en las familias, y creo que de alguna manera esto salió de la casa y se fue al público y al teatro. Pero es increíblemente alta nuestra tasa de danza per cápita…a veces a mi me asombra.”

Danza de calidad y muy genuina que se gana su espacio en el mundo entero.

Fuente: RTVE

Visitado 2243 veces / 825 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

El caso Romeo y Julieta, la versión libre y en tono policíaco de una de las obras más populares y representadas de William Shakespeare a cargo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) del INBA, se presenta en el Teatro Julio Jiménez Rueda.

La pelea de dos poderosas familias en Verona, Italia, hace que sus hijos se suiciden, todo lo anterior no es un ningún secreto y aborda las pasiones. Esta obra la trae a un presente valiéndose del uso de paneles móviles. Es el escenario, en conjunto con otros elementos, como mesas y sillas, una vieja máquina de escribir vieja lo que nos lleva a Verona para que el caso sea investigado por un jefe de policía vestido como en el norte de Michoacán.

Supuestamente situada a finales del siglo XX, principios del XXI, aquí surge la pregunta ¿Quién es el responsable?, decisión difícil que se va dando según transcurre la obra.

Bajo la dirección del Maestro Luis de Tavir y las actuaciones del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro: Ana Isabel Esqueira como Julieta en una actuación muy buena, Andrés Weiss en varios papeles, Arturo Beristain en dos personajes muy interesantes: el jefe y el Sr. Capuleto, David Calderón, con un delicioso Romeo, Constantino Morán con varios personajes incluyendo al agente, Everardo Arzate también en varios, Laura Padilla como la nana además del perito, Marco Antonio García en un personaje muy importante para la trama, el Maestro Lorenzo Lucca, Maríana Giménez, que siempre nos sorprende: como la Sra. Capuleto y la fotógrafa criminalista, y Ana Ligia García como la locutora.

Es un deleite ver como nuevos valores jóvenes y actores de diferentes generaciones pueden convivir en una compañía como ésta, teniendo la ventaja de que cuentan con un salario fijo, que les permite dedicarse completamente a este trabajo, aunque en ocasiones vemos actores invitados.

La temporada comprende del 16 de febrero al 3 de marzo los días martes y miércoles al las 19:00 horas y sábados y domingos a las 12:00 horas. Forma parte del Programa Jóvenes al Teatro del INBA por lo cual la entrada a estudiantes y maestros de secundaria y preparatoria con credencial vigente es gratuita. Público en general $45.00 pesos, lo cual es un regalo si consideramos la calidad de la obra.

Les recomendamos todas las puestas en escena de esta compañía que siempre nos sorprenden, les auguramos un año muy rico donde la audiencia será la beneficiada.

Visitado 3410 veces / 1297 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Bajo la dirección concertadora de Niksa Bareza y la escénica de María Morett, este cuento de hadas recogido por los hermanos Grimm, Jacob y Wilhelm, se había interpretado por primera ocasión en México en su idioma original, el alemán, acompañado por la Orquesta del Teatro de Bellas Artes. Llegó al Teatro Arbeu el 11 de noviembre de 1906 y el Palacio de Bellas Artes el 20 de septiembre de 1949.

En un escenario donde todo parece una casa de muñecas, se mezcla con un elemento que cada vez es más usado: el reutilizar pintura en una superficie que se proyecta, en este caso, sobre un telón transparente, contando parte de la historia. Es el caso de las pinturas proyectadas en el telón y que son obra del artista plástico Juan Carlos del Valle; éstas abren el “show”, en el que el espectador es testigo de cómo se recrea el primer acto de dicha obra “La casa de Hansel y Gretel”.

Así mismo, se integra el uso de títeres y disciplinas como la danza aérea, el mástil chino y la acrobacia, en esta dinámica obra cuyo vestuario y escenografía se creó especialmente para este montaje.

Cien por ciento en alemán del siglo XIX, con subtítulos, preside de muchas de las escenas conocidas de este cuento;
como aquella del pan para no perderse.

Un clásico alemán que ha pasado por siglos contando la historia de dos niños, cuyos padres no pueden mantenerlos, se pierden en el bosque, llegan a la casa de una bruja muy simpática atraídos por una casa hecha de jengibre y dulces.

La ópera, surgida a fines del siglo XIX con el nombre de Marchenoper (ópera de cuentos de hadas), tiene un reparto formado por Hansel con voz de mezzosprano donde están tanto Encarnación Vázquez como Guadalupe Paz, como Gretel con voz de soprano Adriana Valdés y Lourdes Ambriz, a quien recordamos en Operaerea que, como su nombre lo dice, cantaba en una especie de columpio; la simpática bruja, María Luisa Tamez; Peter, el padre, con Carsten Wittmosser o Arturo Rodríguez, Amelia Sierra interpreta a la madre Gertrude, el hada del rocío es Elisa Ávalos y el hombre de las arenas, Angélica Alejandre. Se cuenta con el acompañamiento de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y del Coro de la Schola Cantorum de México.

Como dato curioso, Sigfrido, hijo de Richard Wagner, la calificó como “la obra más importante después de Parsifal”; en este caso Humperdinck asignó al relato de Grimm una combinación de citas wagnerianas con una historia simple y un tratamiento orquestal complejo.

Quien nos diga que este género no es socorrido, lo único que podemos decir es que el ensayo general estaba lleno de gente de todas las edades, muchos jóvenes y niños que salieron fascinados con esta historia y creemos que cuando son niños o los invitamos o los vacunamos a no volver a ver ópera o teatro, sin embargo es la mejor edad de introducirlos a este mundo. El segundo piso también fue ocupado debido a la cantidad de personas, nos gustaría que tuvieran temporadas más largas debido al trabajo para prepararlas, sin embargo, a los amantes de este género les va a fascinar.

Visitado 3049 veces / 1200 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Daniel es el reflejo del hombre que funciona en automático, sin plantearse metas ni objetivos, como muchos de nosotros; que ha sido formado por los patrones sociales que indican por dónde debe ser el camino a recorrer, hasta que decide romper el matrimonio consigo mismo y la mediocridad.

Mientras trata de escribir un libro, sus preocupaciones se materializan. Éstas, son actuadas por el coro formado por Jesús García, Michelle Jurado, Edgar Alfaro, Ismael Benítez y Manuel Guzmán, siendo los actores de esta puesta Edgar Alfaro, Ismael Benítez, Swara Cordero, Sergio Corona, Jesús García, Manuel Martínez y Ariel Valencia bajo la dirección escénica de Juan Antonio Llanes, en la voz de Dios, Edgar Alfaro.

Es un trabajo de Sin Telón Producciones, Ariel Valencia y Sergio Adrián Corona.

En el escenario, entre muebles, dos personajes reales y otros que solo ve el protagonista. La cita de amor se torna en ese juego donde los egos salen a relucir, donde los amantes juegan a fingir aun cuando la verdad sale a flote.

Esta obra es una crisis existencial de un soltero a sus 30 años, un reflejo del hombre común de la sociedad actual, donde la vida se ha ido automatizando, dejando a un lado algunas necesidades cuya urgencia de cubrir dejan a un lado las otras necesidades, aquí puede entrar la intelectual, la de no ser “uno más del montón”, como suele decirse, incluyendo las necesidades sexuales como las del amor.

Un juego muy interesante entre personajes reales o que solo existen en la mente de Daniel, un trabajo bien realizado para poder entrelazarlas y con un trazo escénico muy bueno, considerando que el escenario no es muy grande.

Las transiciones muy limpias, por lo cual éste es uno de los temas más complejos: convivir mientras se encierra en uno mismo, la pregunta es ¿si escribirá el libro?

Se presenta los sábados a las 20:00 horas en el Centro Cultural de la Diversidad, Colima 267, cerca del Metrobus Durango, esquina con Insurgentes. Una comedia con la cual podemos identificarnos, sacando cada uno nuestra conclusión final.

Visitado 4485 veces / 1946 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI

Luz María Meza nos presenta una historia que podría pasar por sesentera, para aquellos que vivimos en esa época, nos recordó una telenovela pero sin anuncios y podría pasar en blanco y negro.

Una mujer madura, exitosa, sin hijos; una mujer joven con el mismo nombre de la mujer madura, que empieza su vida amorosa así como profesional y un hombre maduro, hipertenso, enamorado. Un triángulo amoroso donde por un lado, una de ellas sigue recibiendo todo el apoyo y por otro la mujer joven también. Historia que se desarrolla en un ambiente de abogados que se especializan en defender casos difíciles, sobre todo de tipo familiar. El hombre aparentemente está apoyándolas en un caso hasta que algo ocurre empezando por un documento que desaparece, muy importante para el caso.

Una entretejida trama, divertida, con la cual nos podemos sentir identificados, con una terrible violencia por parte de una de las mujeres, ¿quién dice que solo el hombre agrede? Un melodrama de corte policiaco, donde poco a poco se empieza a descubrir lo que realmente ocurre, hay tres sospechosos, tres culpables y hasta un crimen.

Con las actuaciones de la misma Luz María Meza que comentó en la conferencia su necesidad de escribir este texto sobre todo lo qué ocurre con mujeres de edad madura, Enrique Herranz que también es locutor, María Teresa Garaganza como la mujer joven todos bajo la dirección de Mauricio Somuano y la escenografía de gran calidad, muy sencilla, donde se ve un escritorio, dos sillas, un sofá, una lámpara de pie, una mesita con ruedas y un mueble para colgar la ropa y las bolsas.

En esta obra hay un doble juego donde nos hablan de la ética de los abogados, y por el otro lado del tráfico de influencias, donde se pierde la línea entre el ser humano y el abogado.

Qué pasa cuando una de ellas decide hacer algo para que el hombre tenga que enfrentar a las dos mujeres donde una de ellas no sabe de su relación con la otra y el triste final del hombre, en fin como se puso arriba podría pasar por una telenovela de los sesenta que nos recuerda a Arturo de Córdova, Dolores del Río o a Joaquín Pardave, aquí, a la pasión le gana la vida.

Una obra llena de emociones, que nos llevan desde la risa hasta la violencia, en fin, un trabajo muy bien hecho que se presenta en el Teatro Benito Juárez por una corta temporada los martes y miércoles a las 20:00 horas del 5 de febrero al 13 de marzo.

Este año empieza con puestas de muy buena calidad lo cual me da mucho gusto, me gustaría que tuvieran temporadas más largas sin embargo, si eso ayuda a que más obras se presenten, habrá que aprovechar el tiempo para verlas.

Visitado 3986 veces / 1678 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI

El Teatro Sergio Magaña se pone de manteles largos con la puesta en escena de estos deliciosos entremeses y mojigangas del Siglo de Oro, es decir, siglo XVI y XVII. Este evento se llevará a cabo del 5 al 20 de febrero con una temporada muy corta pero que estoy segura la volverán a poner muy pronto; invito a que no se la pierdan.

Como siempre, la Compañía Nacional de Teatro Clásico-Fenix Novohispano bajo la dirección de Daniela Pérez, contando con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, se presenta los martes y miércoles a las 20:00 horas.

Esta compañía fue fundada por el Maestro Francisco Hernández para difundir la herencia teatral del México Colonial con piezas de autores del Siglo de Oro de las letras españolas, se han presentado en la Catedral Metropolitana, el Palacio Nacional, Palacio de Bellas Artes, Palacio de la Inquisición, explanada del Zócalo y en festivales de México, Estados Unidos, Perú y España.

El Teatro Sergio Magaña se pone de manteles largos con la puesta de estos deliciosos entremeses y mojigangas del Siglo de Oro, es decir, siglo XVI y XVII, este evento se llevará a cabo del 5 al 20 de febrero con una temporada muy corta pero que estoy segura la volverán a poner muy pronto; invito a que no se la pierdan. Como siempre, la Compañía Nacional de Teatro Clásico-Fenix Novohispano bajo la dirección de Daniela Pérez, contando con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal se presenta los martes y miércoles a las 20:00 horas.

Esta compañía fue fundada por el Maestro Francisco Hernández para difundir la herencia teatral del México Colonial con piezas de autores del Siglo de Oro de las letras españolas, se han presentado en la Catedral Metropolitana, el Palacio Nacional, Palacio de Bellas Artes, Palacio de la Inquisición, explanada del Zócalo y en festivales de México, Estados Unidos, Perú y España.

Estos textos fueron censurados en su época por la Inquisición, el primero Gori, Gori de Luis Quiñones de Benavente (Siglo XVII ) y El Galán liberal de autor anónimo del Siglo XVIII, pero adaptado al siglo XVII.

Gracias al trabajo de esta compañía que encabeza Francisco Hernández, el público, conformado en su mayoría por jóvenes no sólo se divierte por lo ingenioso y pícaro de las tramas, sino que además puede dar un salto al pasado y admirar cómo era una representación teatral hace 4 siglos.

Esta obra ya lleva varias temporadas exitosas en diversos foros de la capital.

Los actores: Ana Paula Corpus, Tsayanball Esquivel, Alicia González, Francisco Silva, Darwin Enohudi y Luis Eduardo Yee, con vestuario de Brisa Gómez Cruz, mojigangas de Luis Melchor, la asesoría corporal de Tsayamahall Esquivel y Luis Eduardo Yee, musicalización de Alicia González y guitarra de Ana Paula Corpus con la producción ejecutiva de Marco Liramark.

Las mojigangas vienen del Siglo XVI y eran las fiestas de España.

El Gori Gori empieza cuando el protagonista finge su muerte para no rentar su casa a un extranjero, el occiso se sirve de sus “vecinas, lo amortajan y le lloran, el forastero cree la situación, pidiendo a las mujeres que lo sepulten de inmediato.

La segunda obra El Galán Liberal, donde un joven conquistador de bellas damas de la Nueva España se vale de todas las artimañas buscando enamorar a una atractiva doncella, se hace pasar por lo que no es por lo cual la joven en un principio le pide muchas cosas, sin embargo se le complica a este conquistador se le voltea la situación incluyendo la de la bella joven.

Vienen dos sorpresas más, una de Sor Juana Inés de la Cruz, esta puesta fue especial para este teatro, buscan invitar al público a conocer y gustar del teatro en verso, ya que es entendible, se han presentado en fuentes, iglesias, trabajan con poca escenografía y crean curiosidad, tienen un trabajo muy ágil y divertido porque además ponen las obras como son, sin modificaciones.

La música está presente con el pandero, guitarra, caracol y las voces de los actores. Es un teatro lúdico, un teatro que es un juego y el vestuario que nos lleva a esa época con su majestuosidad.

Diez años se dicen fácilmente pero están llenos de escollos, es encomiable la labor que realizan, por lo cual les invito al teatro Sergio Magaña, en Sor Juana Inés de la Cruz No. 114, cerca del metro San Cosme.

Visitado 4491 veces / 1850 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

Hamlet cobró importancia desde que Shakespeare la escribió y en cierta medida ha sido referencia que se interpreta ya sea en su forma convencional o en aquellas que la reinterpretan como en este caso.

En “El Jardín de las Suspicacias”, Carlos Valencia ubica las acciones en alguna parte de la República Mexicana y convierte al personaje principal en el hijo del jefe de un cartel del narcotráfico. De esta forma, el rey es “jefe de plaza”, asesinado por su hermano en complicidad con la viuda, la madre de Hamlet.

El paralelismo en cierta forma así concluye aunque, el espíritu en cierta forma no pierde vigencia.

Acontece en un espacio a dos frentes, en el escenario del Teatro Benito Juárez, el público nos sentamos en ambas orillas, unos muebles sencillos, un par de pinturas que cuelgan les rodea dos pares de focos del paso de gato.

Bajo la atinada e interesante dirección de Ignacio Escárcega todo ocurre en una pasarela donde, gracias a unas puertas, sacan y meten objetos para determinados cuadros, incluyendo dos títeres, además de la voz en Off del padre.

Dos actores en escena, Carlos Valencia en el rol de Hamlet a quien le ponen ese nombre porque a su padre le gustaba mucho el teatro y la madre, intercalan escenas de la obra con modificaciones, respetando el espíritu de la puesta original. No pueden faltar las pasiones entre ambos personajes, sin importar el parentesco.

Las reflexiones que hace Hamlet casi al final, resultan muy impactantes así como el ritmo de la misma.

Con duración de una hora y diez minutos, es tan intensa que no se pueden separar los ojos de los actores en ningún momento, las transiciones son marcadas por pequeños detalles así como por medio de una señal de uno de los actores.

Los dos están maravillosos, no cabe duda que se entregan por completo cuando actúan, también el uso de música en vivo incluyendo una guitarra y las voces de los propios actores y la trama tan bien llevada, donde el mismo público, al estar sentado tan cerca de los actores, se siente involucrado en la trama porque cuando empiezan nos dan la bienvenida.

Esta es una coproducción de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal a través de Teatros de la Ciudad de México, el Instituto de Cultura de Baja California y Sereno Producciones.

Durante la conferencia, Carlos nos platicaba que llevó esta puesta a siete estados con violencia y le preguntaban por qué lo hacía si ya tenían demasiada, sin embargo el público la aceptó muy bien, inclusive en una de las funciones tuvieron que cerrar las puertas del teatro porque había balacera afuera.

Lástima que tenga una temporada tan corta -del primero al 24 de febrero, de viernes a domingo en el Teatro Benito Juárez-, el aforo para esta obra es de solo 120 lugares por lo cual vale la pena que tomen sus precauciones.

Qué bueno que el año empiece con puestas tan interesantes como ésta, esperamos tener mucha calidad y que haya trabajo para muchos actores e involucrados.

Visitado 3034 veces / 1157 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI

El Concepto Rally de Teatro Independiente se ha realizado con gran aceptación por la comunidad artística desde la primera edición celebrada en el año 2009, así mismo el Rally ha logrado atraer diversos sectores de la población, fomentando la cultura y la generación de nuevos públicos.

El teatro independiente en México ha tenido que recorrer un gran trecho para poder llegar al público, uno de estos medios es este Centro Cultural que tiene cinco años en manos de Wilfrido Momox, quien además tiene en este foro el método de Antonio González Caballero, quien dejó una huella muy importante en el teatro con su técnica.

Recibió este foro hace cinco años en condiciones pésimas y poco a poco lo ha ido levantando, como señaló en la conferencia de prensa: “no es fácil llenar un espacio, aún con cincuenta o setenta lugares”, sin embargo “El Foco”ha logrado sobrevivir de milagro como otros foros independientes, que no cuentan con el apoyo económico como el INBA, el Teatro Helénico o la misma UNAM, sin embargo este quinto año nos presenta 23 obras diferentes con grupos que van de reciente formación hasta más de 10 años.

Momox, realmente nos habla de este amor al teatro, de hacerlo su vida. En un programa de radio de la Asociación Nacional de Locutores de México, del cual formo parte, comentábamos en plan de broma que los que somos actores, productores, escritores, periodistas teatrales o algo que tenga que ver con el teatro “debemos estar locos”, es válido, lo estamos, pero cuando hacemos lo que nos gusta vemos la vida de otra manera, simplemente ese trabajo se convierte en placer.

Es un hecho la falta de lugares para estos grupos, en México tenemos muy buenas escuelas de teatro, y no quiero que esta nota sea la típica donde solo se da la información sobre estas 23 obras que se presentarán en un solo día y con tres mesas de discusión con personas muy importantes de este medio; para eso pueden checar la cartelera o buscar en internet en la página del Centro Cultural “El Foco”, mi intención real es resaltar el cariño que le tenemos al teatro, a estos grupos que se exponen a la crítica del público, porque al salir se les pide que llenen una papeleta con su opinión.

Este Centro Cultural se encuentra en la Calle de Tlacotalpan, a la altura del Metrobus Campeche, aunque aparentemente tiene unos sellos muy típicos que suele poner el Gobierno del Distrito Federal, está trabajando y los espera con precios muy accesibles, una cafetería donde serán muy bien tratados y con una programación de mucha calidad durante todo del año.
Como siempre y como se dice en el argot teatral les deseamos “mucha mierda” a todos, el simple hecho de pararse en un escenario es ya en sí un evento muy importante para cada uno de ellos.
Que gane el mejor y como se dijo “se debe gozar el perder como el ganar,” la experiencia nos enseña que no todo es “Miel sobre hojuelas”, que a veces es necesario “picar piedra” antes de que lleguen las cosas.
Mucho ánimo a todos los grupos y una felicitación a Momox por su gran labor, por su amor por el teatro que no es solo es el pan de cada día, sino lo que nutre nuestro espíritu.
A él junto con su compañía El Árbol, misma que lleva bastantes años, a todo su equipo de trabajo y su afán de “decir algo nuevo sobre algo que ya se dijo” en este 2013 le agradezco su apoyo a grupos nuevos y muchos años más tanto para este Rally como para el Centro Cultural.
Les recordamos, la programación la podrán checar en su página de internet del Centro Cultural del Foco o en las carteleras.

En este tenor, también está el Encuentro Nacional en el Teatro Jiménez Rueda, donde la Maestra Isabel Quintanar y la ITI UNESCO, le dan la oportunidad a los grupos de presentarse, lo cual han hecho por más de 15 años; también a ella un reconocimiento porque se puede conocer el teatro de calidad proveniente de otras partes de la república.

Visitado 4166 veces / 1737 visitantes

ESTHER ZYCHLINSKI Y ZVI ZIMAN

La Compañía Nacional de Teatro (CNT) del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) presenta la obra El círculo de cal, de Bertolt Brecht, con dirección de Luis de Tavira. Obra que maneja dos interrogantes sobre la posesión de la tierra y los hijos, en una historia donde la bondad y el amor subsisten ante un mundo sumido en la miseria y desigualdad.

La obra comienza con un hecho real en video, sobre unos talamontes en Michoacán, que nos transporta a otra época en un lugar no determinado. Una mujer por azares del destino adopta a un bebé de un depuesto líder por un golpe de estado, su periplo para llegar a la granja de su hermano, es narrada en esta puesta.

El escenario es una escalera que sirve como base para toda la obra con diversos elementos, incluyendo una tela que sirve de río, junto con su movimiento.

Un trabajo muy interesante donde sin ser una obra musical tiene algo de música, tanto los actores estables como los invitados, realizan un magnífico trabajo que hacen de esta puesta, con duración de cuatro horas, una obra donde la atención del público nunca cae, aunado al uso de máscaras, muchas de ellas hechas de tela.

Si algo debemos admirarle a esta compañía es su disciplina, su profesionalismo y su amor por el teatro; deseamos que Luis de Tavira siga al frente de esta, la cual tuvo su origen en Maximiliano con Zorrilla, siendo el Tenorio la primer obra que montaron.

Se presenta en su sede en Francisco Sosa 159, Barrio de Santa Catalina, con entrada gratuita, los jueves y viernes a las 19:00 horas, los sábados a las 18:00 y los domingos a las 17:00 horas. Para mayor información de hasta cuando se podrá ver ,por cuestión de las vacaciones de diciembre comunicarse al 5658-41-08.

Les deseamos un feliz año nuevo 2013.

Visitado 4037 veces / 1445 visitantes

EL MUNDO.ES

La excusa para la charla con Miguel Ángel Solá y Daniel Freire, par argentino, es el estreno de ‘El veneno del teatro’ en Madrid. Un texto de Rodolf Sirera (Premio Nacional en 1997) que ha elegido Mario Gas para reaparecer por libre tras abandonar este verano el Español; una obra que reflexiona sobre la profesión de actor y la relación entre sometedores y sometidos. Y en seguida, la conversación deriva por otros derroteros: mercados, desahucios, abusos de poder… El veneno nuestro de cada día.

“Es un experimento nazi. Todo lo que se hace con el ser humano para ver hasta dónde es capaz de doblar su espalda lo es. Lo que hacen los bancos con las personas son experimentos nazis; lo que hace el poder con nuestra vida, desesperándonos, no dejándonos lugar para el ocio, ni para compartir con nuestros hijos, lo es”, arranca Solá. Y es sólo el principio.

Sobre las tablas, le corresponde el papel de aristócrata que somete a un juego de poder a su víctima, un conocido actor (Daniel Freire). “La obra plantea un juego morboso entre los límites de la ficción y la verdad, un juego con trampas, en el que sólo uno conoce las reglas. Una situación muy actual”. El que habla ahora es Daniel Freire, que recoge el guante de la crítica social: “Los únicos que conocen las cartas son los poderosos, los demás nos creemos que las conocemos, nos ilusionamos con lo que ellos nos fabrican: vamos a poder vivir con el sueldo que tenemos, vamos a poder tener una casa porque el banco te lo da… y luego resulta que no, que te mandaron a morir”.

La ‘corrupción’ del sometido

En la versión original, ‘El veneno del teatro’ transcurre en la Francia prerrevolucionaria, pero Mario Gas ha querido llevarla a los años 20. Es una obra de sombras, de contraluces. Sin excesos. ¿Qué papel juega el teatro en el terreno en que nos movemos?

“Dependiendo de donde estés, es parte de los desesperados o del poder”, dice Freire. “Es el viejo dinosaurio herido de muerte de siempre; una resultante de lo que la sociedad es. Tantas posibilidades tiene una obra con contenido que otra que sabemos que es una mierda y que, sin embargo, la gente elige. Los programas de televisión o las películas que más se ven no son justamente las mejores. Así que la corrupción del sometedor es trágica, horrorosa, y la padecemos todos, pero creo que es peor la del sometido porque deja un ejemplo que los demás siguen: ‘Coma mierda, 100 millones de moscas no pueden estar equivocadas’”, añade Solá.

Los dos argentinos llevan años viviendo en España. Y están enfadados, combativos. “Es que tenemos constantemente sobre la cabeza los desahucios, los suicidios, el abuso… Llega un momento en el que a la gente no sólo le enajenan los bienes y el bolsillo, también la cabeza y el corazón”, dice Solá. “Y es mejor sacar el enfado hacia afuera. Debemos mostrar más los dientes porque ellos los enseñan todo el tiempo. Y, además, tienen las armas”.

A pesar de la crudeza, tienen motivos para estar contentos con su nuevo proyecto, que les pone por delante una gira con fechas pactadas hasta enero de 2014. Y que les llevará de vuelta a Argentina. ¿Es el momento de emigrar a la inversa? “Es el momento de vivir, de viajar, de dejarse la piel en lo que se hace… Pero un mercado u otro… Son todos parecidos. Nosotros nos dirigimos a la sensibilidad de la gente. Saquemos al mercado del juego porque nos envuelve, nos come y nos tira a la basura”.

Visitado 3941 veces / 1498 visitantes